Corso di storia della musica: Tripoli (A Tripoli bel suol d'amore) 1911

1911 - Tripoli (A Tripoli bel suol d'amore)

"A Tripoli bel suol d'amore" è una canzone italiana che risale al 1911 e che porta il titolo di "Tripoli". È stata scritta da Colombino Arona (musica) e Giovanni Corvetto (testo). La canzone rappresenta una delle molte composizioni musicali che, all'inizio del Novecento, celebrano la colonizzazione italiana in Africa, in particolare l'occupazione della città di Tripoli, allora capitale della Libia, che faceva parte del Regno d'Italia a seguito della guerra italo-turca del 1911-1912.

🎵 Contesto Storico e Politico

Nel 1911, l'Italia stava espandendo il suo impero coloniale in Africa e Tripoli, città portuale strategica sulla costa mediterranea, fu conquistata durante la guerra italo-turca, un conflitto che vide l'Italia impegnata contro l'Impero Ottomano. L'annessione della Libia fu presentata dalla propaganda italiana come un passo fondamentale verso la "gloria" nazionale, e la canzone "A Tripoli bel suol d'amore" riflette questo spirito di orgoglio patriottico.

In un periodo di fervore nazionalista, molti artisti e compositori furono ispirati dal desiderio di celebrare le nuove conquiste e l'espansione dell'Italia oltre i suoi confini tradizionali. La canzone si inserisce in un vasto panorama di brani che trattavano le imprese militari e le colonie italiane, celebrando la "grandezza" della nazione in una chiave patriottica e spesso idealizzata.

🎤 Il Testo e il Significato

Il testo di Giovanni Corvetto descrive Tripoli come un "bel suol d'amore", una terra ricca di fascino e di opportunità. La canzone idealizza la città e la sua terra, dipingendo Tripoli come un luogo esotico e affascinante, simbolo di un amore patriottico per la "nuova" Italia coloniale. Il testo si inserisce in una tradizione di canzoni che, durante la prima parte del Novecento, presentano le colonie come terre piene di opportunità per gli italiani, ma anche come spazi di espansione per la cultura e il "civilizzare" gli altri popoli.

In questo tipo di canzone, la figura di Tripoli non è solo una località geografica, ma diventa simbolo di una missione di espansione e di civiltà che l'Italia si proponeva di portare in Africa. Sebbene, oggi, tale visione possa sembrare anacronistica e intrisa di una concezione imperialista e coloniale, all'epoca rappresentava un sentimento diffuso di orgoglio nazionale.

🎶 Musica e Arrangiamenti

La melodia di "A Tripoli bel suol d'amore", composta da Colombino Arona, è solenne e celebrativa, con un andante che si adatta perfettamente al tema patriottico del brano. Il ritmo della canzone è strutturato per essere immediato e facilmente memorizzabile, in modo che potesse essere cantato da grandi masse, specialmente durante le feste popolari o le celebrazioni pubbliche.

Il brano include tipiche sonorità marziali e ritmiche, che rimandano alla musica da parata o da soldato, un tipo di arrangiamento molto in voga in quel periodo quando le canzoni dovevano servire a incoraggiare lo spirito patriottico e il sostegno alla guerra e alle conquiste imperiali.

🌍 Impatto e Popolarità

"A Tripoli bel suol d'amore" divenne subito un inno di appoggio alle imprese italiane in Libia. Il brano fu eseguito in teatri, durante raduni pubblici e manifestazioni patriottiche, e veniva spesso associato a immagini di soldati italiani che marciavano verso la Libia o, più tardi, alla celebrazione della "grandezza" dell'Italia come potenza coloniale.

L'immagine di Tripoli, come un "suol d'amore", nella canzone rispecchiava una visione idealizzata e lontana dalla realtà di quella che sarebbe stata la colonizzazione effettiva, che comportò violenze, sfruttamento e conflitti, ma che all'epoca veniva spesso presentata in modo eroico e romantico.

🎤 Ripresa e Interpretazioni

Nel corso degli anni, la canzone non ha avuto un'ampia diffusione nelle generazioni successive, proprio per il suo forte legame con un periodo storico specifico, quello della colonizzazione italiana in Africa. Tuttavia, come molte canzoni dell'epoca, "A Tripoli bel suol d'amore" è stata talvolta ripresa come testimonianza storica e viene ricordata per la sua rilevanza nel contesto musicale e culturale di inizio Novecento.

La canzone è, infatti, un esempio di come la musica popolare possa riflettere le tensioni e le aspirazioni di un paese in un periodo storico di cambiamento. In tempi più recenti, il brano è stato oggetto di analisi storica per comprendere come la musica e la cultura popolare abbiano contribuito a modellare e a giustificare il clima politico e sociale dell'epoca coloniale italiana.

🎶 Conclusioni

"A Tripoli bel suol d'amore" è una canzone che porta con sé una storia complessa e significativa, non solo per la sua melodia o per il testo, ma anche come simbolo di un'epoca. La canzone rappresenta l'orgoglio nazionale, l'espansione della potenza italiana e l'idealizzazione delle colonie. Tuttavia, oggi, ci invita anche a riflettere sui conflitti, le tensioni e le contraddizioni di un periodo storico che, per quanto romantizzato nella canzone, è stato anche segnato da drammatiche e controversie esperienze coloniali.

1911 - Tripoli (A Tripoli bel suol d'amore) [di Colombino Arona \ Giovanni Corvetto]

https://youtu.be/myUjaOYAZO8?si=-aXserJlLro6g3E-

Corso di storia della musica: Ninì Tirabusciò 1911

1911 - Ninì Tirabusciò 

"Ninì Tirabusciò" è una canzone napoletana molto amata, scritta nel 1911 da Salvatore Gambardella (musica) e Aniello Califano (testo). Questo brano è uno dei tanti che hanno contribuito a definire il panorama musicale napoletano del primo Novecento, e resta tuttora un classico della tradizione partenopea.

🎵 Origini e contesto storico

Scritta nel periodo in cui la canzone napoletana era in piena espansione, "Ninì Tirabusciò" fu immediatamente apprezzata dal pubblico per la sua vivacità e per il ritmo coinvolgente. La canzone appartiene a un filone di brani popolari che raccontano storie di amori, personaggi e situazioni tipiche della vita napoletana, ma con un tocco di ironia e leggerezza che la rende unica.

L'anno di composizione, il 1911, è particolarmente significativo perché segna il periodo in cui la musica popolare si stava evolvendo, incorporando nuove influenze e stili che segneranno l'inizio di una nuova era musicale in Italia. La melodia, giocosa e spensierata, rispecchia il desiderio di evasione di un'epoca che vedeva Napoli come un centro di vita culturale e musicale vibrante.

💃 Il significato del testo

"Ninì Tirabusciò" racconta la storia di una giovane donna, Ninì, una figura tipica della tradizione napoletana, nota per il suo carattere vivace e le sue scelte di vita non sempre convenzionali. Il nome "Tirabusciò" deriva dall'immagine di un giocattolo popolare dell'epoca, il tirabusciò, un oggetto che si muoveva avanti e indietro in modo sussultante, proprio come la figura di Ninì, che appare come un personaggio in continuo movimento e che, con il suo comportamento spensierato e allegro, non passa mai inosservato.

La canzone, infatti, descrive il personaggio di Ninì come una ragazza che gioca con gli uomini e si diverte, senza prendersi troppo sul serio. La musica, ritmata e vivace, esprime perfettamente la leggerezza e l'energia di questo personaggio, una donna che incarna il lato più allegro e sfacciato della vita napoletana.

🎤 Interpretazioni e performance

Nel corso degli anni, "Ninì Tirabusciò" è stata interpretata da numerosi artisti, spesso con una vibrante ironia e giocosità, per evidenziare l'aspetto più spensierato e dinamico della canzone. Il brano ha avuto una grande fortuna anche nelle interpretazioni teatrali e cinematografiche, con molti artisti che lo hanno riproposto in diverse versioni, adattandolo a vari contesti.

La canzone, grazie alla sua melodia orecchiabile e al suo ritmo travolgente, è stata anche un punto di riferimento per il cabaret e le esibizioni di varietà, dove il personaggio di Ninì è stato spesso interpretato come una donna disinvolta, vivace e un po' impertinente. Il brano rimane così un inno alla spensieratezza e alla libertà della giovane donna, un tema che risuona anche oggi.

🌍 Un'icona della tradizione popolare

"Ninì Tirabusciò" è uno di quei brani che, pur essendo molto legato alla tradizione napoletana, ha raggiunto una popolarità che travalica i confini della città e della regione. La canzone, con il suo ritmo allegro e il testo ironico, ha trovato spazio nei cuori degli appassionati di musica popolare in tutta Italia e all'estero, continuando ad essere cantata nelle feste popolari, nei concerti e in tutte le occasioni che celebrano la musica della tradizione partenopea.

Il brano è spesso interpretato durante i festival di musica folk e nelle manifestazioni culturali che celebrano la canzone napoletana, diventando un simbolo di quella vitalità che contraddistingue la musica popolare del Sud Italia.

🎶 La melodia e la struttura musicale

Dal punto di vista musicale, "Ninì Tirabusciò" si caratterizza per il suo ritmo vivace e trascinante, che richiama la danza e il movimento. La melodia, che segue una struttura semplice ma incisiva, è perfetta per il testo giocoso e ironico, creando un'atmosfera allegra e festosa. La scelta di un accompagnamento orchestrale che enfatizza il movimento e la vivacità della canzone contribuisce a darle quella carica di energia che la rende ancora oggi tanto apprezzata.

Il brano si inserisce perfettamente nel repertorio delle canzoni da ballo, dove il ritmo è fondamentale e la melodia è pensata per essere cantata e ballata in gruppo. Questo tipo di canzone aveva un forte legame con le feste popolari, dove la musica giocava un ruolo fondamentale nel creare l'atmosfera giusta per il divertimento collettivo.

🌟 Legacy e impatto culturale

Anche oggi, "Ninì Tirabusciò" continua a vivere nella tradizione musicale napoletana e italiana. Il brano è simbolo di una Napoli vivace e spensierata, una città che non perde mai il suo spirito di allegria e di festa. La figura di Ninì, con la sua personalità vivace e disinvolta, è diventata un'icona della libertà femminile e della spensieratezza della giovinezza.

La canzone ha avuto un impatto notevole anche sulla musica popolare e sulla cultura italiana in generale, venendo riproposta in vari ambiti e contesti. La sua popolarità resta invariata, testimoniando la capacità della canzone napoletana di rimanere attuale e di far vivere la tradizione anche nei tempi moderni.

🎤 Conclusioni

"Ninì Tirabusciò" è una canzone che ha saputo rimanere viva nel cuore degli italiani grazie alla sua melodia travolgente e al suo testo ironico e allegro. Essa rappresenta non solo una parte importante della tradizione musicale napoletana, ma anche uno spaccato della cultura popolare dell'epoca. La figura di Ninì, vivace e spensierata, continua a evocare l'immagine di una Napoli che non perde mai il suo spirito allegro e festoso, e che sa raccontare storie di donne, di vita e di amore con un sorriso e un pizzico di ironia.

1911 - Ninì Tirabusciò [di Salvatore Gambardella \ Aniello Califano]

https://youtu.be/jrFmpD_GMpA?si=pbBR5vS3INGVh545 

Corso di storia della musica: Core 'ngrato 1911

1911 - Core 'ngrato

"Core 'ngrato" è una delle canzoni napoletane più celebri e rappresentative, scritta nel 1911. Composta da Salvatore Cardillo (musica) e Gian Carlo Chiaramello (testo), con il contributo anche di Ricardo Cordiferro (arrangiamento), questa melodia ha conquistato il cuore degli italiani e ha attraversato i decenni diventando un classico della canzone napoletana.

🎵 Origini e contesto storico

La canzone fu scritta in un periodo in cui la musica napoletana stava vivendo un grande sviluppo, consolidandosi come una delle espressioni artistiche più amate non solo in Italia, ma anche all'estero. La prima decade del Novecento vide la nascita di alcune delle melodie più significative della tradizione musicale partenopea, tra cui "Core 'ngrato", che fu subito un successo grazie alla sua intensità emotiva e al suo testo struggente.

Nel 1911, Napoli era un crocevia di influenze culturali, un punto di incontro tra la tradizione popolare e le nuove forme di musica che stavano entrando in scena. "Core 'ngrato" si inserisce in questo contesto, ma si distingue per il suo tema universale: il dolore dell'amore non corrisposto, un tema che da sempre affascina e ispira poeti, compositori e cantanti.

💔 Il significato della canzone

Il titolo stesso, "Core 'ngrato", che significa letteralmente "Cuore ingrato", esprime il tema centrale della canzone: la sofferenza e il tradimento amoroso. La canzone racconta di un cuore ferito, di un amore che non è stato ricambiato e di un amore non corrisposto che provoca un dolore profondo e insanabile. L'interpretazione del dolore si fa così personale e universale al contempo, rendendo la canzone un simbolo della sofferenza amorosa.

Nel testo, il protagonista si rivolge alla persona amata che lo ha tradito, accusando il suo cuore di essere ingrato e incapace di comprendere il dolore che ha causato. Il tema della delusione e del rimpianto è l'elemento che permea tutta la canzone, ma è anche la bellezza della melodia a contribuire a renderla tanto commovente.

🎤 La performance e l'interpretazione

"Core 'ngrato" è una delle canzoni che più si presta a interpretazioni intense e drammatiche, grazie alla sua melodia ricca di pathos. Essa è stata interpretata da numerosi cantanti italiani e internazionali, che hanno reso omaggio alla sua potenza emotiva. Tra i tanti artisti che l'hanno cantata, spicca la figura di Enrico Caruso, il celebre tenore napoletano, che ha dato una delle versioni più memorabili del brano, trasformandola in uno dei suoi cavalli di battaglia.

Anche Mario Lanza, un altro celebre tenore, ha cantato questa canzone, aggiungendo la sua maestria vocale e la sua capacità di trasmettere emozione al testo già ricco di passione. Ogni interpretazione ha contribuito a mantenere viva la canzone attraverso gli anni, ma è l'intensità del dramma amoroso che continua a emozionare il pubblico ogni volta che la si ascolta.

🌍 Un'icona internazionale

Nonostante le sue radici napoletane, "Core 'ngrato" ha guadagnato fama internazionale, diventando una delle canzoni italiane più conosciute e apprezzate in tutto il mondo. È stata interpretata in molte lingue, e ha trovato spazio nei repertori di cantanti operistici e di artisti di musica popolare, cementando la sua posizione nel cuore degli amanti della musica di tutto il mondo.

Il suo appeal universale risiede nella sua capacità di esprimere un sentimento che trascende la lingua e la cultura: il dolore dell'amore non corrisposto è qualcosa che chiunque può comprendere, indipendentemente dalla provenienza.

🎶 La melodia e la struttura musicale

Musicalmente, "Core 'ngrato" è un brano che si distingue per la sua melodia lenta e malinconica, con momenti di grande intensità emotiva. Il passaggio dal pianissimo al fortissimo, che contraddistingue la struttura musicale, permette al cantante di esprimere tutta la gamma emotiva del brano, dal dolore profondo alla rabbia e al rimpianto.

La canzone è tipica della tradizione napoletana, caratterizzata da una grande espressività e da un uso sapiente della modulazione vocale, che permette di passare da una nota dolce e sussurrata a una notevole esplosione di passione, dando così vita a un contrasto drammatico che è una delle caratteristiche distintive della musica napoletana.

🌟 Legacy e impatto culturale

Oggi, "Core 'ngrato" è ancora uno dei pezzi più amati della canzone napoletana, e continua ad essere parte integrante del repertorio musicale di molti artisti italiani. La canzone viene spesso cantata nelle feste popolari, nei concerti di musica classica, e in eventi che celebrano la tradizione musicale di Napoli.

Anche nel mondo della musica leggera e del cinema, "Core 'ngrato" ha trovato un posto speciale, usata come colonna sonora di numerosi film e produzioni televisive, dimostrando la sua capacità di emozionare e di toccare corde universali.

🎤 Conclusioni

"Core 'ngrato" non è solo una canzone, ma un simbolo di una tradizione musicale che ha attraversato i secoli e che continua a essere un punto di riferimento per la musica italiana e internazionale. La sua intensità emotiva, la sua melodia struggente e il suo testo pieno di dolore sono ciò che la rendono un classico senza tempo, capace di emozionare ogni volta che viene eseguita. Come tutte le grandi canzoni napoletane, essa è una testimonianza di come la musica possa essere un mezzo potente per esprimere le emozioni più profonde e universali dell'animo umano.

1911 - Core 'ngrato [di Salvatore Cardillo - Gian Carlo Chiaramello \ Ricardo Cordiferro]

https://youtu.be/OQt9x-GZQ8g?si=NDYCponsjfc07Skm 

Corso di storia della musica: La Penna nera (Sul cappello che noi portiamo) 1910?

1910? - La Penna nera (Sul cappello che noi portiamo)

"La Penna nera (Sul cappello che noi portiamo)" è una delle canzoni più rappresentative della tradizione musicale italiana legata al corpo militare delle Alpini, che ha un profondo legame con la storia e la cultura del paese. Il brano è stato scritto intorno al 1910 ed è uno dei canti che simboleggiano il legame degli Alpini con la loro terra, le loro tradizioni e il loro spirito di fratellanza. La canzone è stata cantata per decenni da generazioni di soldati, ma anche da civili, come un inno di orgoglio e di sacrificio.

🎶 Origini e contesto storico

La canzone è legata al corpo degli Alpini, fondato nel 1872, un'unità militare dell'Esercito Italiano che ha una lunga tradizione di difesa delle montagne e delle regioni alpine del paese. Il cappello con la penna nera, che viene menzionato nel titolo e nel testo della canzone, è un distintivo iconico degli Alpini, simbolo di onore e di coraggio. La penna nera è un segno di appartenenza a questa forza speciale, che ha una forte identità legata al territorio montano e alla vita di montagna.

Il brano è nato in un periodo di forte sviluppo per il corpo degli Alpini, che si preparavano a intervenire nelle guerre coloniali e poi nella prima guerra mondiale. Questi soldati, nati nelle valli e nei paesini montani, avevano una connessione profonda con il territorio e la cultura alpina, e la canzone ne incarna l'orgoglio e il coraggio.

🎤 Il testo e il suo significato

La canzone si apre con un chiaro riferimento al cappello degli Alpini, simbolo di una lunga tradizione e di un'identità unica. Il testo, che parla di un cappello ornato da una penna nera, diventa una sorta di simbolo di forza e di valore, ma anche di sacrificio e di senso di appartenenza a un gruppo unito da un destino comune.

Il messaggio del brano è chiaro: la penna nera è il distintivo di un soldato che ha affrontato le difficoltà della guerra, ma anche della vita di montagna, dove l’onore e il sacrificio sono valori condivisi. C'è una grande enfasi sulla solidarietà tra soldati, sull'importanza di rimanere uniti e di affrontare insieme le difficoltà, come una vera e propria famiglia alpina.

Anche se la canzone è nata in un contesto bellico, il suo spirito di fratellanza e di orgoglio è andato ben oltre la guerra, diventando una sorta di simbolo di comunità e di resistenza. La penna nera è il simbolo di un' identità condivisa che va oltre il conflitto, ed è diventata un elemento importante della cultura popolare italiana.

💪 Significato e impatto sulla cultura italiana

La canzone è diventata un inno degli Alpini e, più in generale, una canzone di orgoglio nazionale. È spesso cantata durante le manifestazioni ufficiali del corpo degli Alpini, ma anche durante raduni e celebrazioni in onore della resistenza italiana. Con il suo ritmo vivace e il suo testo evocativo, è una canzone che incarna lo spirito di sacrificio, di orgoglio e di cameratismo.

Nel corso degli anni, la canzone è diventata parte integrante della tradizione popolare italiana. Non è solo un canto militare, ma una canzone che è riuscita a trasmettere un messaggio universale di unità e forza. È stata reinterpretata e riproposta in molte occasioni da artisti e gruppi musicali, mantenendo intatto il suo significato simbolico.

📚 Interpretazioni e adattamenti

Nel corso degli anni, "La Penna Nera" è stata ripresa in diverse versioni, a volte più solenni e altre volte più allegre. Le versioni moderne possono includere strumenti musicali come la chitarra o l'organetto, ma l’essenza della canzone rimane la stessa: l’esaltazione del coraggio, della solidarietà e dell’onore degli Alpini.

La canzone è stata anche reinterpretata in contesti di memoria storica, in occasione di anniversari legati alla Prima Guerra Mondiale o a celebrazioni degli Alpini, come i raduni nazionali che si svolgono ogni anno, quando decine di migliaia di ex-soldati e simpatizzanti si riuniscono per cantare le canzoni storiche che celebrano il loro corpo e la loro tradizione.

🎵 Stile musicale e diffusione

Musicalmente, la canzone si inserisce nella tradizione delle marce militari e dei canti popolari italiani, che utilizzano melodie semplici ma coinvolgenti, facilmente cantabili in gruppo. La sua ritmicità rende la canzone perfetta per essere intonata in cortei, parate e manifestazioni collettive, dove l'energia e il senso di appartenenza sono fondamentali.

Nel corso del tempo, la diffusione di "La Penna Nera" è stata favorita dalla sua facile memorizzazione e dal suo contenuto emozionante e simbolico, che parla a tutti coloro che condividono i valori della solidarietà, della famiglia e dell'onore.

🌍 Conclusioni

"La Penna Nera" rimane uno dei canti più emblematici della cultura italiana, non solo come inno militare, ma anche come simbolo di unità e identità nazionale. La sua capacità di trascendere il contesto bellico e diventare un canto di fratellanza e resistenza è ciò che ha garantito la sua longevità. Ogni volta che viene cantata, risuona come un richiamo alla forza della comunità, al valore della tradizione e alla determinazione nel superare le difficoltà.

1910? - La Penna nera (Sul cappello che noi portiamo) [di anonimo]

https://youtu.be/EHoXs6axnlM?si=RRq389MuZ2zy35HL

Corso di storia della musica: La Lega (Sebben che siamo donne) 1910?

1910? - La Lega (Sebben che siamo donne)

"La Lega (Sebben che siamo donne)" è una delle canzoni popolari italiane più iconiche, che ha attraversato i decenni rimanendo un simbolo di resistenza femminile e lotta per l'emancipazione. Sebbene l'autore sia sconosciuto, il brano è stato amato e reinterpretato da numerose generazioni, diventando un inno di determinazione e coraggio.

🎶 Origini e contesto storico

La canzone risale alla fine del 19° secolo o agli inizi del 20° secolo, precisamente intorno al 1910, in un periodo di grande fermento politico e sociale in Italia e nel mondo. Le donne stavano iniziando a lottare per il riconoscimento dei propri diritti, come il diritto di voto e l'accesso all'istruzione e al lavoro. La canzone si inserisce proprio in questo contesto di crescita del movimento femminista e dell'idea di emancipazione, un tema che non è solo politico ma anche culturale, perché inizia a sfidare le strutture patriarcali e le tradizionali visioni della donna come figura subordinata.

🎤 Il testo e il suo messaggio

Il testo della canzone è fortemente evocativo e simbolico. Il ritornello, "Sebben che siamo donne, noi siamo la Lega", è una chiara affermazione di forza e di solidarietà tra donne. Il termine "Lega" ha una duplice valenza: da un lato fa riferimento a un'alleanza o un gruppo coeso, dall'altro allude alla forza delle donne che si uniscono per cambiare la propria condizione sociale e politica. Nonostante la canzone possa sembrare, a una lettura superficiale, una semplice filastrocca popolare, il suo messaggio è estremamente potente e profondo.

La ripetizione della frase "Sebben che siamo donne" sottolinea proprio il contrasto tra la condizione di donne, che nella società del tempo erano considerate inferiori agli uomini, e la forza che queste stesse donne possedevano e dimostravano, sia nel quotidiano che nelle lotte più grandi. La canzone non è un lamento, ma una dichiarazione di resistenza, che celebra il coraggio di affrontare le difficoltà e le ingiustizie, ma anche l'orgoglio di essere donne e di lottare per il proprio posto nella società.

💪 Significato e impatto sulla cultura

"La Lega (Sebben che siamo donne)" è diventata nel tempo un inno di emancipazione che incarna i valori della solidarietà tra donne, della determinazione e della lotta per i diritti civili. Pur trattandosi di una canzone popolare, è stata utilizzata come uno strumento di mobilitazione e sensibilizzazione nelle campagne per il suffragio femminile, che in Italia si è concretizzato solo nel 1946. La canzone ha accompagnato molte donne nella loro lotta per l'uguaglianza e ha mantenuto intatto il suo significato di forza interiore e di indipendenza, rimanendo un simbolo di resistenza nelle varie fasi del movimento femminista italiano.

Il testo esprime, inoltre, una sorta di "empowerment", un concetto che oggi è molto discusso, ma che già cento anni fa era presente in canzoni come questa: la consapevolezza del valore di sé, dell'unione tra donne e della forza che può derivare da una lotta collettiva.

📚 L’eredità della canzone

Nel corso degli anni, il brano è stato ripreso, reinterpretato e cantato in occasioni di manifestazioni, soprattutto femministe, e in eventi che celebrano i diritti delle donne. La sua musicalità, semplice ma coinvolgente, e il testo incisivo l'hanno reso un pezzo facilmente cantabile nelle piazze e nei cortei, permettendo alla canzone di rimanere viva e di adattarsi ai tempi moderni, pur mantenendo intatta la sua forza e il suo messaggio di solidarietà e resistenza.

Anche nel panorama musicale contemporaneo, alcune versioni della canzone sono state reinterpretate, spesso rimanendo fedeli al messaggio originale, ma a volte modernizzando la musica per renderla più accessibile alle nuove generazioni. Questi adattamenti non fanno che testimoniare la durata e la rilevanza del brano come un simbolo della lotta per i diritti delle donne, che continua a essere attuale.

🎵 Stile musicale e diffusione

La musica di "Sebben che siamo donne" è tipica della tradizione delle canzoni popolari italiane, con melodie semplici ma accattivanti, facili da cantare in gruppo. Questo ha reso la canzone adatta per essere utilizzata nelle occasioni collettive e nelle manifestazioni pubbliche. Inoltre, la sua diffusione è stata favorita dalla capacità di trasmettere un messaggio potente in modo diretto e comprensibile, senza bisogno di un linguaggio complesso o di metafore difficili.

👩‍🎤 Interpretazioni e adattamenti

Molti artisti italiani, da quelli più popolari a quelli appartenenti alla musica folk, hanno reso omaggio a questa canzone, reinterpretandola nei loro concerti e nelle loro performance. Le versioni più moderne della canzone hanno cercato di mantenere il suo spirito, aggiungendo magari nuove influenze musicali ma preservando la sua forza e il messaggio originario.

Inoltre, il brano è stato inserito in molte raccolte di musica tradizionale italiana, come esempio di canzone di lotta e resistenza femminile. La sua inclusione nelle playlist o nei concerti legati ai diritti delle donne è sempre un modo per mantenere viva la memoria storica di un movimento che ha portato a significativi cambiamenti nella società.

🌍 Conclusioni

"Sebben che siamo donne" rimane una canzone potente e simbolica, che riflette il cambiamento delle donne nella società e il loro impegno per l'emancipazione. Sebbene appartenga alla tradizione popolare, il suo messaggio è senza tempo: la forza delle donne, la loro resilienza e la determinazione nella lotta per i diritti e l'uguaglianza. Con il passare degli anni, questa canzone ha continuato a parlare alle donne di oggi, che si sentono chiamate a unirsi per una causa comune, a resistere alle difficoltà e a lottare per un mondo più giusto.

1910? - La Lega (Sebben che siamo donne) [di anonimo]

https://youtu.be/PXOpVWSZ7uA?si=9QD35abgLHs4Sojk

Corso di storia della musica: Ciribiribin 1910?

Ciribiribin – La Canzone che ha Fatto Cantare il Mondo

🌟 Un valzer leggero che ha attraversato i secoli

Nata nel cuore della Belle Époque, Ciribiribin è una di quelle melodie italiane che hanno viaggiato nel tempo con la leggerezza di un soffio di vento e l’eleganza di un valzer. Composta nel 1898 dal musicista Alberto Pestalozza su testo di Carlo Tiochet, la canzone è un gioiello del repertorio lirico-sentimentale italiano, capace di incantare platee dall’Europa all’America, dalla canzone da salotto alle big band swing del dopoguerra.

🎼 Origini italiane, spirito universale

Il brano nasce come una romanza da salotto, uno dei generi musicali più diffusi nelle case borghesi e aristocratiche dell’epoca. Pestalozza, torinese, crea una melodia orecchiabile e seducente, un valzer lento punteggiato dal celebre ritornello "Ciribiribin", una parola onomatopeica che mima il trillo d’un canto d’amore.

Il testo, scritto da Carlo Tiochet, è un invito giocoso, un canto all’amata che si affaccia al balcone, immerso in un’atmosfera da sogno, quasi operettistica:

Ciribiribin, bel tralalà,
Ciribiribin, bel tralalà,
se la guardi un po’ così,
quella ride, dice sì...

Un piccolo capolavoro di grazia e leggerezza.

🎤 Il successo internazionale

Ma Ciribiribin non rimane confinata nei salotti italiani. Attraversa le Alpi e l’Atlantico, approda nelle sale da ballo d’Europa e poi negli Stati Uniti, dove trova una seconda giovinezza.

Già nei primi decenni del Novecento, la canzone viene tradotta, adattata, reinterpretata da cantanti di tutto il mondo. Nel 1934, il celebre tenore italo-americano Carlo Buti ne registra una versione che diventa popolarissima in Italia.

Negli anni ‘40, è Harry James, trombettista e direttore d’orchestra jazz, a trasformarla in un brano swing con la voce di un giovanissimo Frank Sinatra. La loro Ciribiribin del 1939–40 è tutta un’altra musica: allegra, ritmata, americana. Ma il cuore melodico resta lo stesso, così come la musicalità del ritornello che sembra imitare il suono d’un trillo amoroso.

📽️ In cinema e cultura pop

La canzone fa la sua comparsa anche nel mondo del cinema, comparendo in diversi film musicali hollywoodiani e italiani, spesso usata per evocare atmosfere d'altri tempi o come simbolo dell’italianità allegra e romantica.

Inoltre, Ciribiribin è stata reinterpretata anche da artisti come Dean Martin, Perry Como, Luciano Pavarotti e Andrea Bocelli, a testimonianza della sua resilienza e fascino senza tempo.

🎻 Perché è ancora amata

Cosa rende Ciribiribin così speciale? Probabilmente l’unione perfetta tra:

• una melodia semplice ma elegante, che si presta a mille arrangiamenti,

• un testo evocativo e affettuoso, ma non troppo impegnativo,

• la sonorità internazionale del suo ritornello, che ha superato ogni barriera linguistica.

È una canzone che si può canticchiare, suonare con il pianoforte, reinterpretare con una big band o una chitarra classica. È insomma un brano leggero e profondo insieme, come solo i grandi classici riescono a essere.

📚 Curiosità

• La parola Ciribiribin è una invenzione fonetica, priva di significato preciso, ma dotata di una musicalità tale da diventare iconica.

• Pestalozza, pur avendo composto anche altre opere, rimane legato quasi esclusivamente a questo titolo, che ha oscurato il resto della sua produzione.

• La canzone ha conosciuto un revival durante la Seconda Guerra Mondiale come simbolo della nostalgia dell’Italia lontana per molti emigranti e militari.

🎵 Una melodia eterna

Oggi Ciribiribin appartiene alla grande tradizione musicale italiana che ha saputo parlare al mondo con grazia, senza urlare, solo con il sorriso disegnato sulle note di un valzer. Una canzone che continua a vivere nei cuori, nei concerti e nei juke-box della memoria.

1910? - Ciribiribin [di Alberto Pestalozza \ Carlo Tiochet]

https://youtu.be/6ulc01MgkAY?si=0MJeGgyu3tmXRDCe

Corso di storia della musica: La Società dei magnaccioni 1908

1908 - La Società dei magnaccioni

Corso di storia della musica: La Società dei magnaccioni 1908 

​"La società dei magnaccioni" è una celebre canzone popolare romana di autore anonimo, le cui origini risalgono ai primi del Novecento. Questo brano rappresenta un esempio emblematico della tradizione musicale romana, caratterizzato da toni scanzonati e ironici.​

🎶 Origini e diffusione

Le precise origini della canzone rimangono incerte. Secondo alcune fonti, il brano sarebbe stato "riscoperto" e riproposto negli anni Sessanta da Gabriella Ferri e Luisa De Santis, contribuendo significativamente alla sua popolarità. ​

📝 Testo e significato

Il testo della canzone esprime lo spirito goliardico e spensierato tipico di una certa gioventù romana, con versi che celebrano la vita semplice e conviviale, spesso associata alle osterie e alla compagnia degli amici. Il ritornello, in particolare, sottolinea un atteggiamento di leggerezza verso le difficoltà quotidiane.​

🎤 Interpretazioni celebri

Oltre alla versione di Gabriella Ferri, "La società dei magnaccioni" è stata interpretata da numerosi artisti, tra cui Lando Fiorini, Claudio Villa e Alvaro Amici, ciascuno dei quali ha contribuito a mantenere viva la tradizione di questo brano nel repertorio della canzone romana.​

📻 Influenza culturale

La canzone è diventata un simbolo della cultura popolare romana, rappresentando l'atteggiamento spensierato e ironico tipico della città. La sua popolarità ha attraversato decenni, rendendola un classico nelle esibizioni di musica tradizionale romana.

1908 - La Società dei magnaccioni [di anonimo] 

https://youtu.be/GATZ_QzH57A?si=eRw3fC8LI6cCSKKc

Corso di storia della musica: Mamma mia dammi cento lire 1908

1908 - Mamma mia dammi cento lire

"Mamma mia dammi cento lire" è uno dei canti popolari italiani più noti e struggenti del Novecento, nato intorno al 1908. Di autore anonimo, questo brano è legato indissolubilmente al fenomeno dell’emigrazione italiana di massa, soprattutto verso le Americhe, ed è diventato con il tempo un simbolo della speranza, del dolore e del distacco che segnarono intere generazioni.

🌍 Contesto storico

Nei primi anni del Novecento, l’Italia affrontava una crisi sociale ed economica profonda. Milioni di italiani — specialmente dal Sud e dalle campagne — lasciavano il proprio paese per cercare fortuna in America, in Argentina, in Brasile. A spingerli erano la fame, la miseria, la mancanza di lavoro. Spesso erano giovani pieni di sogni, che salutavano per l’ultima volta la propria famiglia.

La canzone dà voce a uno di questi giovani, e alla madre che lo supplica di restare.

🎵 Il testo: un dramma in tre atti

Il canto è narrativo e teatrale, e si sviluppa come un piccolo dramma popolare. I versi più noti recitano:

Mamma mia dammi cento lire

che in America voglio andar.

Cento lire te le do

ma in America no no no!

Il figlio insiste, vuole partire. La madre, pur riluttante, cede. E poi, la tragedia:

E partì col bastimento

che l’America lo portò

e il bastimento affondò

e il figliuolo annegò.

💔 Un inno alla speranza e alla perdita

Il tema centrale è il conflitto generazionale e affettivo: il figlio spinto dalla speranza, la madre frenata dalla paura. Ma è anche il canto della distanza e della morte, una tragedia simbolica che riflette il destino di molti emigranti, che non arrivarono mai a destinazione.

📚 Valore culturale

Questa canzone ha attraversato decenni, trasmessa oralmente, reinterpretata da cantanti folk, cori popolari e persino rivisitata in chiave moderna. Il suo valore va ben oltre la musica:

È documento di una pagina di storia: il dramma dell’emigrazione.

È specchio della mentalità popolare: fede, rassegnazione, fatalismo.

È poesia orale: semplice, diretta, potente.

🎤 Esecuzioni celebri

È stata interpretata da artisti come:

Giovanna Marini

Caterina Bueno

Cori alpini e cori di emigrazione

E anche in versioni teatrali e cinematografiche

🧭 Curiosità

I "cento lire" erano una somma immensa per le famiglie contadine del tempo.

L’episodio del naufragio richiama numerose tragedie realmente accadute nei viaggi transoceanici.

Alcune versioni cambiano la fine: in alcune, il figlio arriva in America e scrive una lettera; in altre, è salvo per miracolo. Questo mostra quanto fosse sentito e flessibile il canto nella tradizione orale.

1908 - Mamma mia dammi cento lire [di anonimo]

https://youtu.be/SNNeIy8lino?si=RMD4WEis-rUo8uVs

Corso di storia della musica: Bandiera rossa 1908

1908 - Bandiera rossa

"Bandiera rossa" è uno dei più celebri e longevi inni del movimento socialista e comunista italiano. Nata nel 1908, questa canzone è divenuta l’emblema musicale della lotta proletaria, del sogno di una società più giusta e dell’ideale rivoluzionario. Con parole semplici ma vibranti, e una melodia trascinante, Bandiera rossa ha attraversato guerre, repressioni, rinascite politiche e cambiamenti sociali, mantenendo intatta la sua forza evocativa.

🔥 Origini e autore

Il testo fu scritto nel 1908 da Carlo Tuzzi, un maestro elementare socialista della provincia di Pavia. La musica si rifà inizialmente a un canto popolare lombardo, "La villanella di Monza", ma nel tempo ha subito numerose modifiche fino alla versione più nota e cantata oggi.

Pur essendo nata in Italia, Bandiera rossa ha varcato i confini nazionali, diventando un canto riconosciuto e intonato nei cortei e nei comizi della sinistra in tutto il mondo.

🎶 Il testo e il simbolismo

Il ritornello è un urlo di appartenenza e speranza:

Bandiera rossa la trionferà,

evviva il comunismo e la libertà!

Il simbolo della bandiera rossa rappresenta il sangue versato dagli operai e dai contadini nella lotta per l’emancipazione, ma anche il vessillo della solidarietà e della rivoluzione.

Il testo è modulare, spesso arricchito da varianti locali o militanti (come "Compagni avanti alla riscossa", o "Bandiera rossa, bella e vittoriosa"), che ne rendono il canto ancora più popolare e adattabile.

🧨 Impatto storico e culturale

Nel corso del Novecento, Bandiera rossa ha accompagnato:

le battaglie sindacali dei primi del Novecento,

la resistenza partigiana durante il fascismo e l’occupazione nazista,

le manifestazioni operaie del dopoguerra,

i movimenti studenteschi del ’68,

e le mobilitazioni pacifiste e antimilitariste.

La sua forza stava (e sta) nella capacità di unire diverse generazioni e ideologie della sinistra sotto un’unica immagine forte e riconoscibile.

🚩 Una canzone che divide e unisce

Nonostante la sua connotazione politica forte, Bandiera rossa è entrata nel patrimonio culturale italiano. Per alcuni è un simbolo glorioso di lotta per la libertà; per altri è legata a pagine controverse della storia. Ma il suo valore storico e musicale è innegabile: rappresenta la voce collettiva di chi, per oltre un secolo, ha cantato contro l’ingiustizia.

📜 Curiosità

È stata tradotta e cantata in molte lingue, specialmente nei paesi europei durante il Novecento.

Ne esistono versioni orchestrali, rock, punk, corali e addirittura remix elettronici.

La sua struttura musicale, molto orecchiabile e ritmata, ha contribuito alla sua diffusione anche fuori dall’ambito politico.

1908 - Bandiera rossa [di anonimo \ Carlo Tuzzi]

https://youtu.be/hAXoGxLx6yk?si=XhjqgCFKw6UocFKg

Corso di storia della musica: Se otto ore vi sembran poche 1906

1906 - Se otto ore vi sembran poche 

"Se otto ore vi sembran poche" è un canto popolare di lotta risalente al 1906, nato nel cuore delle mobilitazioni operaie per la conquista della giornata lavorativa di otto ore. Di autore anonimo, la canzone è diventata uno dei simboli della battaglia sindacale e politica per i diritti dei lavoratori in Italia, ed è ancora oggi intonata durante cortei e manifestazioni.

🛠️ Contesto storico: la nascita di una rivendicazione epocale

All’inizio del Novecento, la giornata lavorativa media per un operaio superava le 10-12 ore. In Italia, così come in molti altri paesi europei, il movimento operaio lottava per condizioni di lavoro più umane. Il brano si inserisce in un periodo di forte fermento sindacale: nel 1906 viene fondata la Confederazione Generale del Lavoro (CGdL), primo vero sindacato italiano a organizzazione nazionale.

Il canto divenne rapidamente uno strumento di aggregazione e identità, semplice nella forma ma potentissimo nel messaggio.

🎶 Il testo: diretto, polemico e coinvolgente

Il ritornello è una domanda che è anche una provocazione:

"Se otto ore vi sembran poche

provate voi a lavorare,

e troverete la differenza

di lavorare e di comandar."

In poche parole si racchiude tutta la distanza tra chi sta “in alto” e chi fatica ogni giorno: il brano ribalta ironicamente la prospettiva del padrone, sottolineando l’ingiustizia di un sistema che non riconosceva i bisogni fondamentali del lavoratore.

✊ Un canto collettivo, una bandiera

"Se otto ore vi sembran poche" non è solo una canzone: è un manifesto in musica. Intonato nelle fabbriche, nelle piazze, nei cortei, trasmetteva forza, coesione e consapevolezza. La melodia semplice e ripetitiva ne facilitava l’apprendimento e la diffusione anche tra chi non sapeva leggere.

🧱 La conquista storica

In Italia, la giornata lavorativa di otto ore fu riconosciuta per la prima volta nel 1923, ma venne poi smantellata dal regime fascista. Solo nel secondo dopoguerra, con lo Statuto dei Lavoratori e l’articolo 36 della Costituzione, divenne diritto acquisito.

📝 Eredità e attualità

Questo canto è ancora oggi eseguito nelle manifestazioni del Primo Maggio, nelle commemorazioni sindacali e nei movimenti per i diritti dei lavoratori. Rimane una voce forte e attuale contro ogni forma di sfruttamento.

1906 - Se otto ore vi sembran poche [di anonimo]

https://youtu.be/aJjpig53yJ8?si=KZdgcDX6bSiWOBl3

Corso di storia della musica: Comme facette mammeta 1906

1906 - Comme facette mammeta

"Comme facette mammeta" (1906), composta da Salvatore Gambardella su versi di Giuseppe Capaldo, è uno degli esempi più vivaci, maliziosi e irresistibilmente ironici della canzone napoletana classica. Allegra e seducente, è diventata nel tempo un piccolo inno alla bellezza mediterranea e all’arte del corteggiamento, con un testo che gioca tra desiderio e provocazione in punta di poesia.

🎶 Un ritmo contagioso, una melodia sbarazzina

La musica di Gambardella è costruita su un tempo vivace e danzante, che sembra quasi una tarantella rallentata, perfetta per sottolineare l’ironia seduttiva del testo. Il brio della melodia ne ha fatto un cavallo di battaglia per tenori e cantanti popolari, capace di conquistare tanto i palcoscenici lirici quanto i cuori del pubblico.

✍️ Un testo tra malizia e poesia

Il testo è un gioco arguto: il protagonista, colpito dalla bellezza di una ragazza, chiede ironicamente come abbia fatto sua madre a “fabbricarla” così bella. La domanda non è solo comica, ma anche profondamente affettuosa, tipica della cultura partenopea che mescola sensualità e rispetto, esuberanza e tenerezza.

"Comme facette mammeta,

chella faccia 'e culure,

chella vocca 'e rrose,

chella carezza accussì fine..."

Il tutto è un crescendo di meraviglia, fino alla domanda finale che è insieme una battuta e un omaggio alla femminilità.

📝 Un’icona senza tempo

Pur essendo una canzone comica, “Comme facette mammeta” ha avuto un successo duraturo: è entrata nel repertorio dei grandi interpreti della canzone napoletana, da Roberto Murolo a Renato Carosone, passando per Massimo Ranieri e Luciano Pavarotti, che ne ha dato una versione lirica e divertita.

🎭 Un ritratto della Napoli ironica e seduttiva

Questa canzone è anche un documento socioculturale: racconta una Napoli che sa prendersi gioco della vita con eleganza, che trasforma l’amore in teatro quotidiano, dove la donna è al centro della scena, adorata e celebrata in modo tutto partenopeo. Non a caso, è ancora oggi un evergreen nei concerti dedicati alla canzone napoletana e nei repertori internazionali.

1906 - Comme facette mammeta [di Salvatore Gambardella \ Giuseppe Capaldo]

https://youtu.be/_Sgjqcua8oE?si=TGgcrN_83DZTuj5O

Corso di storia della musica: Torna a Surriento 1905

 1905 - Torna a Surriento 

"Torna a Surriento" (1905) è uno dei vertici assoluti della canzone napoletana, un capolavoro senza tempo firmato dai fratelli Ernesto De Curtis (musica) e Giambattista De Curtis (testo). È una delle melodie italiane più celebri al mondo, incisa da centinaia di interpreti — da Caruso a Pavarotti, da Elvis Presley a Dean Martin — diventando simbolo dell’Italia poetica e struggente dell’emigrazione e dell’amore malinconico.

🎶 Un’armonia che sa di mare e nostalgia

Ernesto De Curtis compose una melodia intensa, avvolgente, che sa unire lirismo e pathos popolare. La progressione musicale è costruita come un’onda che si alza con dolcezza, culmina in un’esplosione emotiva (“Torna a Surriento...”) e poi si placa, come il mare della costiera che il testo evoca.

✍️ Una poesia in forma di canzone

Il testo di Giambattista De Curtis è un esempio perfetto della capacità della poesia napoletana di fondere amore per una persona con amore per un luogo. La bellezza di Sorrento è lo sfondo, ma anche la protagonista: il paesaggio diventa parte del sentimento, come se la luce, il mare e i profumi stessi implorassero la persona amata di tornare.

La struttura è quella classica della serenata: una voce sola che, nel silenzio della notte o davanti al mare, canta il proprio desiderio e la propria sofferenza.

📝 Contesto e curiosità

La leggenda vuole che la canzone sia stata scritta in fretta, per impressionare il presidente del Consiglio Giuseppe Zanardelli in visita a Sorrento nel 1902, anche se la data ufficiale di pubblicazione è il 1905. L’obiettivo era anche quello di ottenere aiuti per la cittadina, ed è curioso pensare come una delle più struggenti canzoni d’amore della storia sia nata anche come manovra diplomatica locale!

🌍 Una canzone che ha fatto il giro del mondo

"Torna a Surriento" è stata tradotta in moltissime lingue, adattata in versioni da salotto, jazz, pop e liriche. È considerata patrimonio culturale non solo napoletano, ma universale, e continua a essere cantata ovunque nel mondo vi sia nostalgia, amore perduto, o voglia di tornare a casa.

1905 - Torna a Surriento [di Ernesto De Curtis \ Giambattista De Curtis] 

https://youtu.be/nJU2SsVVe0k?si=FvxcIExNrMK_58ui

Corso di storia della musica: Lili Kangy 1905

1905 - Lili Kangy 

"Lili Kangy" è una canzone del 1905 composta da Salvatore Gambardella (musica) su versi di Giovanni Capurro, la leggendaria penna dietro “‘O sole mio”. Questo brano, anche se meno noto rispetto ad altri capolavori della canzone napoletana, è un interessante esempio di come in quegli anni si cercasse di innovare all’interno del genere, mescolando esotismo, sentimentalismo e spirito teatrale.

🎭 Una canzone tra suggestioni esotiche e fascino popolare

Il nome "Lili Kangy" richiama un’ambientazione esotica o straniera, forse volutamente fantasiosa, per evocare mistero e fascino di terre lontane. Questa tendenza a giocare con nomi esotici o inventati era tipica della canzone napoletana dell’epoca, che spesso metteva in scena personaggi femminili idealizzati, quasi figure da operetta o da melodramma popolare.

🎶 Stile musicale e interpretazione

La musica di Gambardella è raffinata, malinconica e coinvolgente. Come altre composizioni dell’autore, si presta bene all’interpretazione da parte di tenori lirici, ma può anche assumere sfumature teatrali o "cafè-chantant", a seconda dell’arrangiamento. Le orchestrazioni originali, tipiche del primo Novecento, erano dense di sentimento e pensate per un pubblico affamato di romanticismo e sogno.

✍️ Capurro e il gusto per il racconto

Capurro in questo testo dimostra ancora una volta il suo gusto per la narrazione poetica, spesso ammantata da malinconia o nostalgia. Anche quando usa un tono apparentemente leggero, c’è sempre un fondo di malinconico struggimento, come se l’amore fosse inevitabilmente destinato a sfuggire o a ferire.

📚 Curiosità storica e diffusione

"Lili Kangy" fu eseguita durante uno dei Festival di Piedigrotta, vera e propria vetrina della canzone napoletana, e conobbe una discreta fortuna grazie alla voce di interpreti dell’epoca, anche se oggi è meno ricordata rispetto ad altri titoli celebri. La canzone rimane però un piccolo gioiello da riscoprire per gli appassionati della canzone classica napoletana e del primo Novecento musicale italiano.

1905 - Lili Kangy [di Salvatore Gambardella \ Giovanni Capurro]

https://youtu.be/y3007QXjH0w?si=npWgHe6lv3vuFCBx

Corso di storia della musica: Quel mazzolin di fiori 1904

1904 - Quel mazzolin di fiori [di anonimo]

"Quel mazzolin di fiori" è una celebre canzone popolare italiana, di autore anonimo, diffusa in particolare nelle regioni del Nord Italia. Le sue origini risalgono all’ambito alpino e contadino, ed è entrata profondamente nell’immaginario collettivo come uno dei canti più rappresentativi del repertorio tradizionale italiano. La data 1904 si riferisce alle prime pubblicazioni ufficiali e diffusione su larga scala, ma la canzone è probabilmente più antica.

🎵 Testo (versione più nota):

Quel mazzolin di fiori

che vien dalla montagna,

e guarda ben che no si bagna,

che lo voglio regalar...

Lo voglio dare al mio amore,

che lo porti sul cuor...

🌼 Contesto e significato

La canzone racconta di un semplice gesto d’amore: un mazzolino di fiori raccolto in montagna, da donare alla persona amata. Dietro questa immagine bucolica si cela tutto il mondo affettivo, genuino e spontaneo della cultura contadina e montana dell’Italia preindustriale.

Il testo è spesso accompagnato da una melodia dolce e orecchiabile, e veniva cantato nei momenti di festa, nei lavori collettivi nei campi, e in particolare durante le adunate alpine e nelle scuole. Ancora oggi è molto eseguita nei cori di montagna e nei repertori folkloristici.

🏞️ Valore culturale

"Quel mazzolin di fiori" è molto più di un semplice canto d'amore: rappresenta una forma di espressione popolare, fatta di piccole immagini quotidiane e di sentimenti semplici, che nel tempo è diventata un simbolo dell’identità nazionale e del legame con la terra. Per questo motivo è entrata anche nelle raccolte di canti alpini e nelle antologie scolastiche.

1904 - Quel mazzolin di fiori [di anonimo]

https://youtu.be/5qZFelITwzY?si=dCs1i5OJaWREbSq5