1902 - The Entertainer
"The Entertainer" è una famosa composizione musicale scritta dal compositore afroamericano Scott Joplin nel 1902. Questo brano è diventato uno dei più noti esempi di musica ragtime e ha contribuito a rendere Joplin uno dei più celebri compositori di questo genere musicale.
Il ragtime è uno stile musicale che emerse alla fine del XIX secolo, caratterizzato da ritmi sincopati e da una struttura musicale vivace e gioiosa. "The Entertainer" è una composizione per pianoforte che incarna perfettamente lo spirito e lo stile del ragtime.
La canzone è stata resa ancora più famosa dal film "The Sting" del 1973, dove è stata utilizzata come parte della colonna sonora, contribuendo così a rinnovare l'interesse per la musica di Scott Joplin e per il ragtime in generale.
"The Entertainer" è stata arrangiata e reinterpretata in molte forme diverse ed è rimasta una delle composizioni più riconoscibili e amate del repertorio pianistico classico e del ragtime. La sua vivacità, il suo ritmo coinvolgente e la sua melodia orecchiabile continuano a renderla una delle opere più celebri di Scott Joplin e un'icona della musica ragtime.
1902 - The Entertainer [di Scott Joplin] - Scott Joplin
https://youtu.be/wOXooOTe2Ho?si=4ubGn6bjLlY2BXCA
1904 - Quel mazzolin di fiori [di anonimo]
"Quel mazzolin di fiori" è una celebre canzone popolare italiana, di autore anonimo, diffusa in particolare nelle regioni del Nord Italia. Le sue origini risalgono all’ambito alpino e contadino, ed è entrata profondamente nell’immaginario collettivo come uno dei canti più rappresentativi del repertorio tradizionale italiano. La data 1904 si riferisce alle prime pubblicazioni ufficiali e diffusione su larga scala, ma la canzone è probabilmente più antica.
🎵 Testo (versione più nota):
Quel mazzolin di fiori
che vien dalla montagna,
e guarda ben che no si bagna,
che lo voglio regalar...
Lo voglio dare al mio amore,
che lo porti sul cuor...
🌼 Contesto e significato
La canzone racconta di un semplice gesto d’amore: un mazzolino di fiori raccolto in montagna, da donare alla persona amata. Dietro questa immagine bucolica si cela tutto il mondo affettivo, genuino e spontaneo della cultura contadina e montana dell’Italia preindustriale.
Il testo è spesso accompagnato da una melodia dolce e orecchiabile, e veniva cantato nei momenti di festa, nei lavori collettivi nei campi, e in particolare durante le adunate alpine e nelle scuole. Ancora oggi è molto eseguita nei cori di montagna e nei repertori folkloristici.
🏞️ Valore culturale
"Quel mazzolin di fiori" è molto più di un semplice canto d'amore: rappresenta una forma di espressione popolare, fatta di piccole immagini quotidiane e di sentimenti semplici, che nel tempo è diventata un simbolo dell’identità nazionale e del legame con la terra. Per questo motivo è entrata anche nelle raccolte di canti alpini e nelle antologie scolastiche.
1904 - Quel mazzolin di fiori [di anonimo]
https://youtu.be/5qZFelITwzY?si=dCs1i5OJaWREbSq5
1905 - Lili Kangy
"Lili Kangy" è una canzone del 1905 composta da Salvatore Gambardella (musica) su versi di Giovanni Capurro, la leggendaria penna dietro “‘O sole mio”. Questo brano, anche se meno noto rispetto ad altri capolavori della canzone napoletana, è un interessante esempio di come in quegli anni si cercasse di innovare all’interno del genere, mescolando esotismo, sentimentalismo e spirito teatrale.
🎭 Una canzone tra suggestioni esotiche e fascino popolare
Il nome "Lili Kangy" richiama un’ambientazione esotica o straniera, forse volutamente fantasiosa, per evocare mistero e fascino di terre lontane. Questa tendenza a giocare con nomi esotici o inventati era tipica della canzone napoletana dell’epoca, che spesso metteva in scena personaggi femminili idealizzati, quasi figure da operetta o da melodramma popolare.
🎶 Stile musicale e interpretazione
La musica di Gambardella è raffinata, malinconica e coinvolgente. Come altre composizioni dell’autore, si presta bene all’interpretazione da parte di tenori lirici, ma può anche assumere sfumature teatrali o "cafè-chantant", a seconda dell’arrangiamento. Le orchestrazioni originali, tipiche del primo Novecento, erano dense di sentimento e pensate per un pubblico affamato di romanticismo e sogno.
✍️ Capurro e il gusto per il racconto
Capurro in questo testo dimostra ancora una volta il suo gusto per la narrazione poetica, spesso ammantata da malinconia o nostalgia. Anche quando usa un tono apparentemente leggero, c’è sempre un fondo di malinconico struggimento, come se l’amore fosse inevitabilmente destinato a sfuggire o a ferire.
📚 Curiosità storica e diffusione
"Lili Kangy" fu eseguita durante uno dei Festival di Piedigrotta, vera e propria vetrina della canzone napoletana, e conobbe una discreta fortuna grazie alla voce di interpreti dell’epoca, anche se oggi è meno ricordata rispetto ad altri titoli celebri. La canzone rimane però un piccolo gioiello da riscoprire per gli appassionati della canzone classica napoletana e del primo Novecento musicale italiano.
1905 - Lili Kangy [di Salvatore Gambardella \ Giovanni Capurro]
https://youtu.be/y3007QXjH0w?si=npWgHe6lv3vuFCBx
1905 - Torna a Surriento
"Torna a Surriento" (1905) è uno dei vertici assoluti della canzone napoletana, un capolavoro senza tempo firmato dai fratelli Ernesto De Curtis (musica) e Giambattista De Curtis (testo). È una delle melodie italiane più celebri al mondo, incisa da centinaia di interpreti — da Caruso a Pavarotti, da Elvis Presley a Dean Martin — diventando simbolo dell’Italia poetica e struggente dell’emigrazione e dell’amore malinconico.
🎶 Un’armonia che sa di mare e nostalgia
Ernesto De Curtis compose una melodia intensa, avvolgente, che sa unire lirismo e pathos popolare. La progressione musicale è costruita come un’onda che si alza con dolcezza, culmina in un’esplosione emotiva (“Torna a Surriento...”) e poi si placa, come il mare della costiera che il testo evoca.
✍️ Una poesia in forma di canzone
Il testo di Giambattista De Curtis è un esempio perfetto della capacità della poesia napoletana di fondere amore per una persona con amore per un luogo. La bellezza di Sorrento è lo sfondo, ma anche la protagonista: il paesaggio diventa parte del sentimento, come se la luce, il mare e i profumi stessi implorassero la persona amata di tornare.
La struttura è quella classica della serenata: una voce sola che, nel silenzio della notte o davanti al mare, canta il proprio desiderio e la propria sofferenza.
📝 Contesto e curiosità
La leggenda vuole che la canzone sia stata scritta in fretta, per impressionare il presidente del Consiglio Giuseppe Zanardelli in visita a Sorrento nel 1902, anche se la data ufficiale di pubblicazione è il 1905. L’obiettivo era anche quello di ottenere aiuti per la cittadina, ed è curioso pensare come una delle più struggenti canzoni d’amore della storia sia nata anche come manovra diplomatica locale!
🌍 Una canzone che ha fatto il giro del mondo
"Torna a Surriento" è stata tradotta in moltissime lingue, adattata in versioni da salotto, jazz, pop e liriche. È considerata patrimonio culturale non solo napoletano, ma universale, e continua a essere cantata ovunque nel mondo vi sia nostalgia, amore perduto, o voglia di tornare a casa.
1905 - Torna a Surriento [di Ernesto De Curtis \ Giambattista De Curtis]
https://youtu.be/nJU2SsVVe0k?si=FvxcIExNrMK_58ui
1906 - Comme facette mammeta
"Comme facette mammeta" (1906), composta da Salvatore Gambardella su versi di Giuseppe Capaldo, è uno degli esempi più vivaci, maliziosi e irresistibilmente ironici della canzone napoletana classica. Allegra e seducente, è diventata nel tempo un piccolo inno alla bellezza mediterranea e all’arte del corteggiamento, con un testo che gioca tra desiderio e provocazione in punta di poesia.
🎶 Un ritmo contagioso, una melodia sbarazzina
La musica di Gambardella è costruita su un tempo vivace e danzante, che sembra quasi una tarantella rallentata, perfetta per sottolineare l’ironia seduttiva del testo. Il brio della melodia ne ha fatto un cavallo di battaglia per tenori e cantanti popolari, capace di conquistare tanto i palcoscenici lirici quanto i cuori del pubblico.
✍️ Un testo tra malizia e poesia
Il testo è un gioco arguto: il protagonista, colpito dalla bellezza di una ragazza, chiede ironicamente come abbia fatto sua madre a “fabbricarla” così bella. La domanda non è solo comica, ma anche profondamente affettuosa, tipica della cultura partenopea che mescola sensualità e rispetto, esuberanza e tenerezza.
"Comme facette mammeta,
chella faccia 'e culure,
chella vocca 'e rrose,
chella carezza accussì fine..."
Il tutto è un crescendo di meraviglia, fino alla domanda finale che è insieme una battuta e un omaggio alla femminilità.
📝 Un’icona senza tempo
Pur essendo una canzone comica, “Comme facette mammeta” ha avuto un successo duraturo: è entrata nel repertorio dei grandi interpreti della canzone napoletana, da Roberto Murolo a Renato Carosone, passando per Massimo Ranieri e Luciano Pavarotti, che ne ha dato una versione lirica e divertita.
🎭 Un ritratto della Napoli ironica e seduttiva
Questa canzone è anche un documento socioculturale: racconta una Napoli che sa prendersi gioco della vita con eleganza, che trasforma l’amore in teatro quotidiano, dove la donna è al centro della scena, adorata e celebrata in modo tutto partenopeo. Non a caso, è ancora oggi un evergreen nei concerti dedicati alla canzone napoletana e nei repertori internazionali.
1906 - Comme facette mammeta [di Salvatore Gambardella \ Giuseppe Capaldo]
https://youtu.be/_Sgjqcua8oE?si=TGgcrN_83DZTuj5O
1906 - Se otto ore vi sembran poche
"Se otto ore vi sembran poche" è un canto popolare di lotta risalente al 1906, nato nel cuore delle mobilitazioni operaie per la conquista della giornata lavorativa di otto ore. Di autore anonimo, la canzone è diventata uno dei simboli della battaglia sindacale e politica per i diritti dei lavoratori in Italia, ed è ancora oggi intonata durante cortei e manifestazioni.
🛠️ Contesto storico: la nascita di una rivendicazione epocale
All’inizio del Novecento, la giornata lavorativa media per un operaio superava le 10-12 ore. In Italia, così come in molti altri paesi europei, il movimento operaio lottava per condizioni di lavoro più umane. Il brano si inserisce in un periodo di forte fermento sindacale: nel 1906 viene fondata la Confederazione Generale del Lavoro (CGdL), primo vero sindacato italiano a organizzazione nazionale.
Il canto divenne rapidamente uno strumento di aggregazione e identità, semplice nella forma ma potentissimo nel messaggio.
🎶 Il testo: diretto, polemico e coinvolgente
Il ritornello è una domanda che è anche una provocazione:
"Se otto ore vi sembran poche
provate voi a lavorare,
e troverete la differenza
di lavorare e di comandar."
In poche parole si racchiude tutta la distanza tra chi sta “in alto” e chi fatica ogni giorno: il brano ribalta ironicamente la prospettiva del padrone, sottolineando l’ingiustizia di un sistema che non riconosceva i bisogni fondamentali del lavoratore.
✊ Un canto collettivo, una bandiera
"Se otto ore vi sembran poche" non è solo una canzone: è un manifesto in musica. Intonato nelle fabbriche, nelle piazze, nei cortei, trasmetteva forza, coesione e consapevolezza. La melodia semplice e ripetitiva ne facilitava l’apprendimento e la diffusione anche tra chi non sapeva leggere.
🧱 La conquista storica
In Italia, la giornata lavorativa di otto ore fu riconosciuta per la prima volta nel 1923, ma venne poi smantellata dal regime fascista. Solo nel secondo dopoguerra, con lo Statuto dei Lavoratori e l’articolo 36 della Costituzione, divenne diritto acquisito.
📝 Eredità e attualità
Questo canto è ancora oggi eseguito nelle manifestazioni del Primo Maggio, nelle commemorazioni sindacali e nei movimenti per i diritti dei lavoratori. Rimane una voce forte e attuale contro ogni forma di sfruttamento.
1906 - Se otto ore vi sembran poche [di anonimo]
https://youtu.be/aJjpig53yJ8?si=KZdgcDX6bSiWOBl3
1908 - Bandiera rossa
"Bandiera rossa" è uno dei più celebri e longevi inni del movimento socialista e comunista italiano. Nata nel 1908, questa canzone è divenuta l’emblema musicale della lotta proletaria, del sogno di una società più giusta e dell’ideale rivoluzionario. Con parole semplici ma vibranti, e una melodia trascinante, Bandiera rossa ha attraversato guerre, repressioni, rinascite politiche e cambiamenti sociali, mantenendo intatta la sua forza evocativa.
🔥 Origini e autore
Il testo fu scritto nel 1908 da Carlo Tuzzi, un maestro elementare socialista della provincia di Pavia. La musica si rifà inizialmente a un canto popolare lombardo, "La villanella di Monza", ma nel tempo ha subito numerose modifiche fino alla versione più nota e cantata oggi.
Pur essendo nata in Italia, Bandiera rossa ha varcato i confini nazionali, diventando un canto riconosciuto e intonato nei cortei e nei comizi della sinistra in tutto il mondo.
🎶 Il testo e il simbolismo
Il ritornello è un urlo di appartenenza e speranza:
Bandiera rossa la trionferà,
evviva il comunismo e la libertà!
Il simbolo della bandiera rossa rappresenta il sangue versato dagli operai e dai contadini nella lotta per l’emancipazione, ma anche il vessillo della solidarietà e della rivoluzione.
Il testo è modulare, spesso arricchito da varianti locali o militanti (come "Compagni avanti alla riscossa", o "Bandiera rossa, bella e vittoriosa"), che ne rendono il canto ancora più popolare e adattabile.
🧨 Impatto storico e culturale
Nel corso del Novecento, Bandiera rossa ha accompagnato:
le battaglie sindacali dei primi del Novecento,
la resistenza partigiana durante il fascismo e l’occupazione nazista,
le manifestazioni operaie del dopoguerra,
i movimenti studenteschi del ’68,
e le mobilitazioni pacifiste e antimilitariste.
La sua forza stava (e sta) nella capacità di unire diverse generazioni e ideologie della sinistra sotto un’unica immagine forte e riconoscibile.
🚩 Una canzone che divide e unisce
Nonostante la sua connotazione politica forte, Bandiera rossa è entrata nel patrimonio culturale italiano. Per alcuni è un simbolo glorioso di lotta per la libertà; per altri è legata a pagine controverse della storia. Ma il suo valore storico e musicale è innegabile: rappresenta la voce collettiva di chi, per oltre un secolo, ha cantato contro l’ingiustizia.
📜 Curiosità
È stata tradotta e cantata in molte lingue, specialmente nei paesi europei durante il Novecento.
Ne esistono versioni orchestrali, rock, punk, corali e addirittura remix elettronici.
La sua struttura musicale, molto orecchiabile e ritmata, ha contribuito alla sua diffusione anche fuori dall’ambito politico.
1908 - Bandiera rossa [di anonimo \ Carlo Tuzzi]
https://youtu.be/hAXoGxLx6yk?si=XhjqgCFKw6UocFKg
1908 - Mamma mia dammi cento lire
"Mamma mia dammi cento lire" è uno dei canti popolari italiani più noti e struggenti del Novecento, nato intorno al 1908. Di autore anonimo, questo brano è legato indissolubilmente al fenomeno dell’emigrazione italiana di massa, soprattutto verso le Americhe, ed è diventato con il tempo un simbolo della speranza, del dolore e del distacco che segnarono intere generazioni.
🌍 Contesto storico
Nei primi anni del Novecento, l’Italia affrontava una crisi sociale ed economica profonda. Milioni di italiani — specialmente dal Sud e dalle campagne — lasciavano il proprio paese per cercare fortuna in America, in Argentina, in Brasile. A spingerli erano la fame, la miseria, la mancanza di lavoro. Spesso erano giovani pieni di sogni, che salutavano per l’ultima volta la propria famiglia.
La canzone dà voce a uno di questi giovani, e alla madre che lo supplica di restare.
🎵 Il testo: un dramma in tre atti
Il canto è narrativo e teatrale, e si sviluppa come un piccolo dramma popolare. I versi più noti recitano:
Mamma mia dammi cento lire
che in America voglio andar.
Cento lire te le do
ma in America no no no!
Il figlio insiste, vuole partire. La madre, pur riluttante, cede. E poi, la tragedia:
E partì col bastimento
che l’America lo portò
e il bastimento affondò
e il figliuolo annegò.
💔 Un inno alla speranza e alla perdita
Il tema centrale è il conflitto generazionale e affettivo: il figlio spinto dalla speranza, la madre frenata dalla paura. Ma è anche il canto della distanza e della morte, una tragedia simbolica che riflette il destino di molti emigranti, che non arrivarono mai a destinazione.
📚 Valore culturale
Questa canzone ha attraversato decenni, trasmessa oralmente, reinterpretata da cantanti folk, cori popolari e persino rivisitata in chiave moderna. Il suo valore va ben oltre la musica:
È documento di una pagina di storia: il dramma dell’emigrazione.
È specchio della mentalità popolare: fede, rassegnazione, fatalismo.
È poesia orale: semplice, diretta, potente.
🎤 Esecuzioni celebri
È stata interpretata da artisti come:
Giovanna Marini
Caterina Bueno
Cori alpini e cori di emigrazione
E anche in versioni teatrali e cinematografiche
🧭 Curiosità
I "cento lire" erano una somma immensa per le famiglie contadine del tempo.
L’episodio del naufragio richiama numerose tragedie realmente accadute nei viaggi transoceanici.
Alcune versioni cambiano la fine: in alcune, il figlio arriva in America e scrive una lettera; in altre, è salvo per miracolo. Questo mostra quanto fosse sentito e flessibile il canto nella tradizione orale.
1908 - Mamma mia dammi cento lire [di anonimo]
https://youtu.be/SNNeIy8lino?si=RMD4WEis-rUo8uVs
1908 - La Società dei magnaccioni
"La società dei magnaccioni" è una celebre canzone popolare romana di autore anonimo, le cui origini risalgono ai primi del Novecento. Questo brano rappresenta un esempio emblematico della tradizione musicale romana, caratterizzato da toni scanzonati e ironici.
🎶 Origini e diffusione
Le precise origini della canzone rimangono incerte. Secondo alcune fonti, il brano sarebbe stato "riscoperto" e riproposto negli anni Sessanta da Gabriella Ferri e Luisa De Santis, contribuendo significativamente alla sua popolarità.
📝 Testo e significato
Il testo della canzone esprime lo spirito goliardico e spensierato tipico di una certa gioventù romana, con versi che celebrano la vita semplice e conviviale, spesso associata alle osterie e alla compagnia degli amici. Il ritornello, in particolare, sottolinea un atteggiamento di leggerezza verso le difficoltà quotidiane.
🎤 Interpretazioni celebri
Oltre alla versione di Gabriella Ferri, "La società dei magnaccioni" è stata interpretata da numerosi artisti, tra cui Lando Fiorini, Claudio Villa e Alvaro Amici, ciascuno dei quali ha contribuito a mantenere viva la tradizione di questo brano nel repertorio della canzone romana.
📻 Influenza culturale
La canzone è diventata un simbolo della cultura popolare romana, rappresentando l'atteggiamento spensierato e ironico tipico della città. La sua popolarità ha attraversato decenni, rendendola un classico nelle esibizioni di musica tradizionale romana.
1908 - La Società dei magnaccioni [di anonimo]
https://youtu.be/GATZ_QzH57A?si=eRw3fC8LI6cCSKKc
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